La Collezione Peggy Guggenheim, con la partecipazione di Swatch Art Peace Hotel, ha dato inizio a "SuperaMenti. Pratiche artistiche per un nuovo presente", un ciclo di quattro workshop dedicati ai giovani, condotti da artisti di respiro internazionale per individuare come l’arte possa aiutare a superare un momento come questo. La pratica messa in atto per i laboratori è formulata nel massimo rispetto delle misure rese necessarie dalla situazione attuale, e per questo, tutti i laboratori sono stati studiati in forma ibrida, combinando momenti online e appuntamenti offline in presenza.
Il primo laboratorio, intitolato Castelli di vetro, è stato condotto dall’artista tedesco Jan Vormann e è stato dedicato al vetro, alla sua storia, lavorazione e bellezza. I partecipanti hanno assistito a due Zoom meeting con l’artista per poi essere coinvolti in quattro giornate in presenza (1-4 ottobre 2020), vedendo la mostra Unbreakable: women in glass alla Fondazione Berengo, sull’isola di Murano, come fonte di ispirazione legata al vetro, visitando una delle fornaci attive dell’isola e lavorando nei giorni successivi con l’artista a Forte Marghera (Mestre).
Abbiamo posto alcune domande a Jan Vormann a proposito di questo workshop.
Partirei da una domanda fondamentale: che cosa significa insegnare alle generazioni degli “young adults”? E soprattutto, cosa credi sia fondamentale e necessario trasmettere loro?
Nonostante l'inizio della fase di lavoro del progetto sia avvenuto presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, gli ideatori del progetto, la Collezione Peggy Guggenheim, insieme a Swatch Art Peace Hotel, ci hanno fornito uno spazio a Forte Marghera. Mi sento grato e spero che grandi realtà come il Guggenheim siano sempre più coinvolte in progetti accademici. Lo vedo particolarmente appropriato dal momento che Peggy Guggenheim è stata un motore trainante non solo per quanto riguarda il patrimonio della sua collezione d'arte, ma anche in termini di supporto alla produzione artistica effettiva. Nel corso della sua vita, anche durante alcune delle peggiori crisi globali, come la Seconda guerra mondiale, non molto diversamente da oggi, ha compreso l'importanza del sostegno privato agli artisti, poiché il loro contributo alla società è sensibile e fragile, ma nondimeno importante.
Ma oltre a produrre semplicemente arte, molti artisti cercano il loro posto nel mondo accademico, insegnando o facendo ricerche, come un modo per espandere i propri orizzonti. Credo che lavorare personalmente con gli studenti sia particolarmente impegnativo, perché i loro atteggiamenti critici spesso ti fanno mettere in discussione il tuo bagaglio di paradigmi consolidati. Come rispondere alle domande di un giornalista, le menti curiose dei "giovani adulti" chiedono di esprimere a parole i pensieri che spesso avete concepito nella solitudine del vostro studio. La pratica in studio è molto diversa da questa, poiché qui devi giustificare i tuoi pensieri di solo di fronte a te stesso. Invece, farsi comprendere dalla mente di decine di persone energiche, piene di fame di nuove abilità e conoscenze, è completamente diverso. I miei professori all'università avevano approcci all'arte molto diversi. Credo di aver imparato a integrare una serie di approcci diversi attraverso di loro. Nessuno dei miei professori si aspettava che seguissi le loro orme, ma piuttosto imparassi a pensare in modo critico e ad analizzare non solo gli approcci che volevo perseguire, ma anche a quale tradizione di artisti volevo allinearmi. Questo è per ora quello che voglio trasmettere anche ai miei studenti dell'Università o in seminari come quello di Venezia: essere un pensatore critico, essere consapevoli degli artisti che sono venuti prima di noi e poi distruggere o remixare le tradizioni per adattarsi bene al tempo presente per trasmettere un messaggio attraverso la tua pratica, che si tratti di architettura, studi curatoriali, fashion design, arti visive o qualsiasi percorso tu scelga.
Secondo te c’è effettivamente qualcosa che li distingue dalle generazioni precedenti? Loro sono i primi ad essere cresciuti con Internet e i social media a partire, minimo, dai dieci anni di età. È un tema molto discusso, da Paul B. Preciado tra gli altri. Cosa ne pensi a riguardo?
Molti sociologi potrebbero rispondere meglio di me a questa domanda, ma se dovessi provare, credo di poter solo esprimere la mia speranza, che i nativi digitali saranno in grado di gestire il flusso di informazioni meglio della mia generazione o ancora della generazione dei nostri genitori. L'era dell’informazione… soprattutto da quando l'ascesa dei social media sembra travolgere completamente le persone, con molti di noi che non sono in grado di discernere tra notizie reali e false, verità e propaganda. L'accesso illimitato alle informazioni dovrebbe essere una benedizione, ma a volte sembra molto più una maledizione. Mentre i nativi analogici parlano di "prendersi un po’ di tempo fuori da Internet" e di "Digital Detox", forse la prossima generazione può trovare relax online senza sentire il bisogno di disconnettersi, chi lo sa.
Che cosa hai voluto affrontare con il tuo progetto? E come lo hai strutturato?
Il mio progetto è stato strutturato nello stesso modo in cui insegno in università: impostazione di un argomento, brainstorming attraverso idee diverse con gli studenti, di cui farne poi dei prototipi fino a trovare condizioni o forme adeguate nei risultati finali. Immagino che una volta uscito dall'università, tu possa decidere liberamente come "creare le tue idee", ma ho scoperto che il brainstorming attraverso le mappe mentali aiuta molto a elaborare e verbalizzare il tuo processo, e a sua volta supporta immensamente la comunicazione delle tue visioni in collaborazioni future o rapporti di lavoro. Inoltre, volevo creare esperienze pratiche per gli studenti con materiale entusiasmante. Amo qualsiasi materiale allo stesso modo, il che è probabilmente una cosa strana da dire, ma posso trovare piacere tanto nel saldare il ferro quanto nel modellare il legno o lavorare la pietra. La plastica è anche un grande materiale ma molto più complicato da maneggiare, e materiali più complessi come ad esempio l'elettronica sono ottimi, ma collegati a una soglia più elevata sia nell'acquisizione di beni di prima necessità che nel trasferimento di conoscenza.
Che cosa rappresenta per te il vetro e come sei riuscito a renderlo protagonista di questo progetto?
Ho scelto un materiale che sapevo fosse largamente disponibile a Venezia, con una lunga storia in termini di produzione e distribuzione e una lunga tradizione con cui confrontarmi. Dopotutto, l'argomento principale era "Superare", quindi mi è sembrato giusto confrontarmi con un materiale così emblematico come lo è il vetro per la città di Venezia. Mi considero ancora un "giovane artista" quindi rispondere alle domande sulla "prossima generazione" è abbastanza nuovo per me. Detto questo, sento ancora il bisogno di ribellarmi di tanto in tanto. Nei miei lavori di artista ho spesso giustapposto i materiali con le loro proprietà intrinseche. Mi sembra naturale pensare a tutte le cose che potresti fare con qualsiasi materiale, anche che un maestro specialista di quel materiale disapproverebbe. Credo che molte grandi invenzioni siano state fatte attraverso un uso inappropriato di qualcosa già esistente. Inoltre, il vetro in particolare ha una bellezza pericolosa: è lucido e trasparente, quasi come i diamanti, ma se maneggiato in modo errato si frantuma e taglia come mille coltelli. Anche se in realtà un po’ difficile da usare per ottenere risultati ottimali, penso che quelli forniti dai partecipanti siano stati piuttosto sorprendenti, considerando che abbiamo lavorato insieme solo per quattro giorni!
Chi è Jan Vormann
Jan Vormann è un artista, ricercatore, docente e uno dei fondatori di T10 Studios, Berlino. Ha studiato arti visive alla Kunsthochschule Berlin-Weißensee, Germania, e arte monumentale alla Stieglitz Academy of Fine Arts di San Pietroburgo, Russia. Ha insegnato New Media/ Interaction Design (IXD) al New Media/ IXD Department della BTK University, Berlino, e tenuto numerosi laboratory e conferenze in molte istituzioni, come Parsons School of Design, Parigi, ARCAM Amsterdam Institute for Architecture, e Kunsthochschule Burg Giebichenstein, Halle.
Oltre a interventi in spazi pubblici in molti paesi, ha esposto a livello internazionale: la Biennale di Venezia di Arti visive (2011) e di Architettura (2018), Ars Electronica a Linz (2010), Nuits Blanches a Parigi (2014), Humboldt Forum/ Altes Museum, Berlino (2009). I suoi progetti sono stati pubblicati a livello Internazionale, inclusi su “Le Monde”, “The New York Times Mag”, “Deutsche Welle”, e “Financial Times Deutschland”.
